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2022
Triologie du printemps
3 artistes et leur vision de la nature
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26 mars au 24 avril 2022
La trilogie du printemps
Pauline Boudreau
Elle se dénit d’abord comme une artiste de terrain.Tant sous le soleil, la pluie que la neige, elle sillonne les campagnes à la recherche des plus beaux coins de la nature pour les faire revivre sur une toile.
Depuis plus de 30 ans elle peint à l’aquarelle et l’huile s’est graduellement ajoutée au fil des ans. Utilisant les couleurs automnales pour raconter l’Estrie, elle traine sa palette et ses pinceaux en Arizona pour vous présenter des rouges et s’entoure de bleu pour vous faire découvrir la Bretagne et la Gaspésie. D’un geste rapide une petite histoire d’aquarelle naît ou encore, un long récit d’hiver se détache sur fond de toile aux huiles bien chaudes.
De plus, son désir est de surprendre et d’ épater tout en resserrant les liens entre sa vision et la transmission de son émotion. Elle œuvre par conviction plus que par désir de plaire et de paraître. Elle n‘a qu’un seul projet, peindre, et ce depuis 1986.
Pour visiter le site web de Pauline Boudreau: https://paulineboudreau.wordpress.com
Michel Gagné
Dès ma jeune enfance, je ramassais des branches et des cailloux avec mon grand-père qui m’a appris à voir la beauté dans tout. J’ai toujours été proche de la nature et je vois la possibilité de tous ces éléments.
Je ne coupe jamais d’arbres vivants, j’utilise seulement le bois mort. Je révèle sa beauté et je lui donne une deuxième vie.
Pour moi la nature et parfaite, rien n’est laissé au hasard alors il est facile de l’apprécier.
Les arbres et le bois sont le conducteur de mon art, mes dessins et mes sculptures en sont les témoins. Je n’ai pas de diplôme en art, et mon éducation des arts vient de ma fascination pour la nature.
C’est un privilège pour moi de partager cet amour avec les amateurs d’art.
Visitez le site web de Galerie Gagné, fondé par Michel Gagné: https://galeriegagne.com/fr/
Paul Morissette
Ses étés d’enfance ont largement inuencé son processus de création. C’est ici que prendra toute l’importance de ses racines, l’histoire, la nature, ses inuences culturelles.
Il aime présenter des paysages, en y intégrant des éléments qui se référent à la culture populaire. Il marie avec subtilité l’histoire des Cantons de l’Est à celle d’une vision naïve de la tradition. De ses tableaux, émane un silence qui nous replonge dans nos souvenirs, nos racines, notre profonde culture. Il sait tracer la ligne subtile entre la délicatesse d’un élément pictural et la structure graphique forte qui trahit sa formation. Ce contraste provoque une fragilité qui nécessite un quasi-recueillement.
De son travail émerge une douce énergie et des lieux indénis, prenant forme entre la couleur, lumière et la dimension. C’est une réexion sur sa perception du monde et ce qu’il cherche à communiquer; l’aspect uide et insaisissable de toutes choses, des êtres et l’ impossibilité de les ger dans le temps.
C‘est au contact d’une image, d’une couleur ou d’une pensée qu’une réponse se crée dans son esprit et il lui donne alors une forme, une réalité et une vie.
Pour visiter le site web de Pauline Boudreau: https://www.paulmorissette.com
30 avril au 22 mai 2022
Imaginaire
IMAGINAIRE. Découvrez les mondes imaginaires de 3 artistes contemporains: François Haguier, Guy-Anne Massicotte et Manon Potvin.
« ...un dialogue multiple avec le spectateur le transportant dans un ailleurs où différentes
époques se font écho et s’entrechoquent. » François Haguier
« La nature morte est revisitée et repensée, rendant hommage aux anciens tout en repoussant
les limites vers une nouvelle interprétation. » Guy-Anne Massicotte
« Puisant dans un imaginaire fantastique, elle nous invite à voir ces paysages de l'âme,
débordants de vie, de sérénité. » Manon Potvin
François Haguier (artiste peintre / art painter)
Naviguant entre la technologie et l’art traditionnel François développe depuis 2010 son style de façon très intuitive. S’appuyant sur ses connaissances en informatique en pré-production de ses oeuvres, il fait varier ses outils pour mener à bon port ses créations paysagères mi abstraites mi figuratives. Les artefacts architecturaux présents dans plusieurs de ses oeuvres, à divers niveaux de représentation et d’interprétation, permettent un dialogue multiple avec le spectateur le transportant dans un ailleurs où différentes époques se font écho et s’entrechoquent.
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Graphic designer, creator of images for more than 25 years, François Haguier embarked on his first pictorial experiments in 2010, mixing printed digital art with explosive textures and color lines in acrylic. Fascinated by imaginary landscapes, he first creates them on a computer and then paints them on large wooden panels. Since 2020, he has made landscape abstraction his main exploratory subject.
Guy-Anne Massicotte (peintre réaliste contemporaine / contemporary realist painter)
Parce que l’essentiel, dans la réalisation de ses œuvres, est la recherche d’atmosphère et de vivacité, c’est à partir des formes d’objets du quotidien et d’êtres vivants qu’elle crée ces arrangements intemporels où s’exprime intensément le moment présent. Il en résulte des compositions uniques et épurées avec un impact tridimensionnel et une profondeur où l’œil peut contempler dans une sensation d’espace. La « nature morte » est revisitée et repensée, rendant hommage aux anciens tout en repoussant les limites vers une nouvelle interprétation. Une participation régulière à des concours et événements inscrit son travail dans le mouvement Réaliste Contemporain au niveau international.
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Member of International Guild of realism, her work is regularly selected in International shows/publications such as ARC Salon, MEAM, International Artist Magazine and is part of collections around the world. She developed a personal painting style from extended traditional techniques self education to enhance impressions of reality. The purpose of every artwork is to connect the viewer sensually to the subject, find beauty and order, create connection between traditions and modernity. "Painting is a process of seeing and feeling."
Manon Potvin (artiste peintre / art painter)
Dans la mouvance des surréalistes, elle aborde sont art par une approche réaliste allégorique. Utilisant la peinture à l’huile comme médium, elle réalise des tableaux qui nous transportent littéralement dans des ambiances surprenantes avec un dessin maîtrisé et des points de vue qui magnifient le sujet. Parfois dans des espaces grandioses, parfois dans
des structures intimes, mais toujours baignés d’un jeu lumineux qui pince l’âme. Puisant dans un imaginaire fantastique, elle nous invite à voir ces paysages de l'âme, débordants de vie, de sérénité.
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In the surrealist movement, she approaches her art through an allegorical realistic approach. Using oil paint as medium, she creates paintings that literally transport us to surprising atmospheres with controlled drawing and points of view that magnify the subject. Sometimes in grandiose spaces, sometimes in intimate structures, but always bathed in a
light that grips the soul. Drawing on her fantasy imagination, she invites us to see these landscapes of the soul, overflowing with life and serenity.
29 mai au 17 juillet 2022
Vernissage: 29 mai 2022
Pensée irisée / Iridescent thought
Je ne fais qu'un avec mon image... nous nous fusionnons dans un chaos irisé. — Paul Cézanne
Ici, 5 artistes de provenances diverses, partageant une affinité envers le pouvoir expressif de la matière et du fait narratif, traitent de la thématique : pensée irisée / iridescent thought.
Les membres du collectif du corbeau se penchent sur la nature des interactions entre les humains, les autres êtres vivants et les espaces sociétaires, intimes et physiques qu'ils occupent.
Transposant cette réflexion en atelier, chaque artiste y apporte son vécu et ses préoccupations esthétiques, culturelles et politiques. Cette démarche entame un dialogue et des échanges avec les autres membres du groupe dans un esprit de respect et de collégialité afin d'investir le chaos synchronisé de la démarche créative.
Le collectif du corbeau entreprend un dialogue avec ce chaos, son étendu, sa continuité, ses traces, ses pigments et ses vestiges afin d’intégrer et son discours et sa mémoire.
Avec la présente exposition, le collectif du corbeau, se trouve de retour à son point d’origine, soit la Galerie d’Art Cookshire-Eaton (anciennement la Galerie d’art John-Henry-Pope).
Yong Sook Kim-Lambert
Peintre canadienne origine coréenne, Yong Sook Kim-Lambert (YSKL) a étudié les beaux-Arts à l’université Honk-Ik à Séoul. Elle expose à plusieurs occasions en Asie en Europe, aux États-Unis et au Canada. Ce parcours géographique a certes enriche les œuvres de l’artiste, comme en témoigne ses œuvres empreintes d’orgialité. Artiste professionnelle membres du RAAV, elle a obtenu plusieurs prix et distinctions nationales et internationales dont Artist Magazine award (AWS international Exhibition), Monarch Litho Award (NWS international show) et le Premier prix au State Museum of Pennsylvania National Art Competition décerné par Charlotta Kotik qui préside département d’art contemporain au Brooklyn Museum of Art de New York.
On se trouve ses œuvres dans plusieurs collections publiques et privées dont celle de Loto-Québec, du Musée Canadian de l’histoire, de la Chambres des communes du gouvernement du Canada et du Southern Alleghenies Museum of Art aux États-Unis.
Robert Péloquin
Après avoir terminé ses études en art et design dans sa ville natale de Winnipeg au Manitoba, Robert a émigré à Montréal, où il a travaillé comme illustrateur pour le département de la recherche en neurologie de l’Université de Montréal (Groupe des Sciences Neurologiques).
Il a été fasciné par la façon dont le verre peut être chauffé et formé dans les laboratoires, de là, il a décidé de quitter sa carrière à Montréal pour devenir un artiste de verre dans les Cantons de l’Est.
Il a étudié la fusion du verre au Sheridan Collage à Toronto, le verre moulé à l’Espace Verre à Montréal, la peinture sur verre à New York avec le regretté Albinis Elskus, un peintre figuratif de verre.
Plus tard Robert a ouvert un studio où il a restauré des vitraux figuratifs a travers l’Estrie et le Québec. Il a conçu et fabriqué des vitraux personnalisés pour des environnements commerciaux et résidentiels.
Le verre chauffé et fusionné ont attirés son attention, donc avec l`aide de différentes subventions gouvernementales, il se perfectionne et devient co-fondateur de Surface Design, spécialisée dans la conception et la fabrication de meubles et d’accessoires contemporains utilisant le verre le granit et le métal. Ils ont vendus au travers le Canada et les États-Unis.
Aujourd'hui, Robert exploite toutes ses compétences acquises pour créer des sculptures reflétant son environnement et ses pensées. Ses sculptures sont composées de métal, de verre et de pierre.
Laurence Bacon
Le changement climatique est un incontournable point de débat en politique actuelle. Bien qu'au départ l'effet de serre est un phénomène d'origine naturelle provoquant des changements thermiques à la surface de notre planète, l'Homme, par son altération de la Nature, provoque un effet de serre additionnel.
Laurence Bacon s'interroge sur le principe de la causalité scientifique - le lien qui unit la cause à l'effet. En considérant également le facteur Temps dans sa recherche, elle élargit son thème de réflexion et explore le principe de la réaction en chaîne en tant que répétition d'un même cycle. Elle prend l'arbre en milieu rural et urbain comme sujet d'étude.
Normand Gladu
Membre professionnel du RAAV, Normand Gladu a étudié au FAS, Bridgeport, CT, É.U. Il est fondateur du programme Artiste en Résidence de la ville de Coaticook ainsi que de programmes et d’organismes en arts visuels dont le but est de rapprocher la pratique de l’art contemporain et environnemental pour les populations rurales et régionales. Depuis 50 ans, son parcours est ponctué de nombreuses expositions au Canada et aux États-Unis Ses œuvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques au Canada, États-Unis, Corée du Sud, Égypte et Émirats Arabes Unis.
Après 30 ans de peinture réaliste, il se tourne maintenant vers un souci environnemental dans lequel son cheminement s’exprime dans des sculptures-assemblage. À l’exemple d’une œuvre littéraire, les œuvres de Normand Gladu portent une historicité bien spécifique. Sculptures composées d’éléments récupérés dans la nature, ces retailles de provenances industrielles, animales et végétales animent la composition et confondent le regardant. Ces objets minutieusement choisis suscitent une étrange réflexion, comme si l’environnement procurait un nouveau souffle à ces éléments. Maître du trompe-l’œil et de la matière, il manipule les matériaux en une ordonnance régie par la couleur, la texture et la forme. D’objets d’abandon, ils deviennent acteurs de la création, interprétant un hommage sensible à la vulnérabilité de la nature.
Ann Bilodeau
Démarche artistique
Mon travail réside en une préoccupation continue avec la notion du parcours en tant que lieu d’exploration et de découverte. Les idées, observations et préoccupations se superposent et s'entrecroisent afin de produire des topographies subtiles. Ces images, issues de l'expérience humaine partagée, se trouvent en continuel repositionnement quand au contenu expressif.
Cette démarche, intégrant la parole et l'image, l'idée et la spéculation, produit un ensemble narratif (suite de représentations interdépendants) à la fois désordonné et en catalogage. On y aborde nos peurs et nos aspirations, notre interprétation du passé et du présent, ainsi que nos dispositions et nos refus envers les idées différentes.
Mon travail propose donc un contenu dont le discours se manifeste à travers des objets tangibles (imageries et motifs figuratifs) rendus autres par le biais de la transformation. Je privilégie des formats et des techniques simples qui invitent à un accès intime et introspectif menant le spectateur vers une appropriation personnelle du contenu et du sens de l'oeuvre.
23 juillet au 9 octobre 2022
Vernissage: 23 juillet 2022
Interstice
L'espace vivant entre...
la lumière et l'ombre,
les parties d'un corps
les corps...
Amélie Lemay-Choquette
Guidée par le souhait de suspendre son mouvement dansé dans l’espace, Amélie choisie le verre. Attirée par la transparence des couleurs et l’effet de la lumière, l’artiste propose des mouvements colorés qui habitent toute l’espace. Le résultat : une œuvre contemporaine dont on oubli le support.
Parcours professionnel, peinture & danse
Peintre, interprète en danse contemporaine et fondatrice d’une résidence artistique interdisciplinaire en nature (RURART art contemporain en milieu rural), Amélie Lemay- Choquette est une artiste de la relève dynamique et entreprenante. Ses peintures sur verre ont été exposées à la Galerie Espace à Montréal (avril 2017) et le sont présentement à la Galerie d’Art Cookshire-Eaton. Elle a gradué en 2012 de l’Université Concordia avec une double spécialisation en danse contemporaine et peinture. L’année suivante, le Conseil de la Culture de l’Estrie lui remet le Prix Relève 2013 pour l’originalité et le côté rassembleur de sa démarche.
Démarche artistique
Processus : corps.
Véhicule : couleur, transparence.
Atelier : nature.
L’œuvre sur verre d’Amélie émerge d’un travail corporel et gestuel qui prend racine dans la marche en nature. Vivant à la campagne, l’artiste cultive activement sa capacité à se ressourcer et s’émerveiller. Une fois dans l’atelier, l’essentiel de la création est gardé secret: c’est une danse improvisée, un mouvement intuitif libéré du mental, un langage inaudible ouvrant les portes de l’inspiration. Les gestes colorés qui parcourent le verre, tout en le laissant respirer, peuvent donc être compris comme des traces en suspens de ce travail corporel. La transparence du support choisi reflète cette double réalité. Parfois, la danse intuitive devient visible elle aussi par le biais de vidéos ou de performances publiques.
Pour visiter son site web: http://choquettedp.com
23 juillet au 9 octobre 2022
Vert-de-gris
Cette exposition, conçue par Geneviève Bougie en collaboration avec la Galerie d’art Cookshire-Eaton, est une invitation à une incursion dans l’univers fantasmagorique et verdoyant de Louis-Pierre Bougie. Intitulée Vert-de-gris, cette exposition posthume met de l’avant un corpus d’œuvres développé par l’artiste entre 2008 et 2018, notamment deux pièces incontournables intitulées Le Bestiaire I et II (celle dernière présentée en primeur). Cette création, deux frises d’environ 5 mètres de long chacune, fait coexister en suspension le règne végétal par la présence de feuilles et le règne animal dont l’humain fait partie, thèmes chers à Bougie. Outre Le Bestiaire, une trentaine d’œuvres, principalement des acryliques et des sculptures seront également présentées, certaines pour la première fois.
Peintre, dessinateur et graveur émérite, Louis-Pierre Bougie a créé un nombre considérable d’œuvres où l’être humain est le principal sujet représenté. Ses créations ont fait l’objet d’importantes publications et se retrouvent dans les collections de tous les grands musées québécois. À l’international, ses réalisations font partie des collections de la Bibliothèque nationale de Paris, de la New York Public Library et de la Newark Public Library. «Bien qu’immédiatement reconnaissable, l’oeuvre figurative de Bougie, prodigieusement intimiste, énigmatique et envoûtante, reste difficile à décrypter, car tout s’y passe en profondeur», écrivait le regretté Paul Bennett qui a signé un texte qui accompagne cette exposition.
Parallèlement, un concert portant autour de l’univers musical de Louis-Pierre Bougie se tiendra le samedi 17 septembre. Mettant en vedette le Quatuor Molinari et la flûtiste Myriam Genest-Denis qui a eu la belle idée de réunir les musiciens autour d’un programme aussi intéressant et qu’éclectique. Au programme: des œuvres de Mozart, Ravel, Hétu, Chostakovitch et Debussy. Ainsi qu’une prestation du guitariste René Lussier, grand ami de Louis-Pierre Bougie. Les billets au coût de 25$ sont disponibles en ligne pour réservation sur le site de la Galerie d’art Cookshire-Eaton.
Pour plus d’information: Geneviève Bougie 514-773-7396 info@louispierrebougie.com
Louis-Pierre Bougie
Né à Trois-Rivières en 1946, Louis-Pierre Bougie dessine depuis l’enfance. Il s’initie aux techniques de l’estampe à l’École des Beaux-arts de Montréal (1967) auprès de la professeure Angèle Beaudry, une aquafortiste accomplie. Bougie poursuivit sa formation dans différents ateliers : l’Atelier libre de recherche graphique de Montréal, la Guilde Graphique, l’atelier Arachel, chez Luc Nadeau et à l’atelier Graff. En 1978, le Musée du Québec (MNBAQ) lui consacre une première exposition solo d’envergure, Bougie n’a que 32 ans. Les dessins et toiles exposés sont alors qualifiés de surréalistes et d’oniriques. L’année suivante, il obtient une première bourse du ministère des Affaires culturelles du Québec (ancien CALQ) qui lui permet de réaliser un séjour d’étude d’un an en Europe.